Il fait froid dans ces rues d'une commune grand lyonnaise dont je ne nommerai pas le nom puisque Ground Zero est une secte digne d'Anonymous ces jours-ci. Après une vingtaine de minutes de marche, je vois quelques jeunes encapuchonnés ouvrir discrètement un portail et le refermer. Voilà la porte secrète, celle qui va m'amener à cette soirée « Guitares et Pyrotechnie », fusionnant Binaire, Dope Body et PNEU. Ah, et John Niekrasz, que je n'ai pas vu mais dont le nom rapporterait une chiée de points au Scrabble. Binaire joue un rock un brin punk très synthétique, au sol, et pied au plancher. Même s'ils se qualifient de groupe « industrialpunk », le duo marseillais (guitare/synthé/basse/boite à rythme...) sait surtout mêler les calins noisy et les claques mélodiques. Si à quelques moments on pense sévèrement à un Marvin qui aurait lâché le vocoder et le trip spatial, le voyage s'avère bien plus agressif en général. Ce qui transpire, et c'est un peu le thème de la soirée, c'est que le groupe vit, mange, boit et concert chaque semaine de l'année. Aucun blanc, des rythmiques qui passent d'une balançoire à la "Atlas" de Battles à un merdier trash-punk, un gars qui déblatère 2-3 trucs au milieu, une basse épileptique : du poulet sonore aux hormones.

Passons au corps succulent du chanteur de Dope Body, un croisement improbable entre le physique d'Iggy Pop jeune, la coupe de Dominique Rocheteau trentenaire, et la moustache trop fine pour ne pas crier « hipster ». Ces quatre garçons dans le vent, perdus dans un trou paumé loin de leur Baltimore chéri, vont soulever des caissons de décibels et par là même, de bouchons d'oreille. Cavalcades noise-rock épiques, descentes free-regardez-on-tripote-nos-instruments, remontées punk-rock/fusion dans la boue : ils font un peu n'importe quoi, n'importe quand, mais pas n'importe comment. Pour être honnête, le génie du groupe est justement d'avoir l'air constamment chaotique de façon organisée. Star du show, Andrew Laumann (chant) est pourtant le plus branleur de tous : il consacre en moyenne 30 secondes à brailler et le reste du morceau, à évacuer les mouches fictives qui le harcèlent. Quelques fois, il se pose en éfigie pour que les filles regardent son ventre galbé, des étoiles et quelques grammes dans les yeux. Derrière, c'est le turbin : David Jacoby (batterie) fait la pieuvre en 18 positions sans s'arrêter, le gratteux essaye de marier Rage Against the Machine et Melt Banana, et le bassiste se démène pour arrondir les angles avec le son le plus « amical ». Chaque morceau excite un peu plus le public, et partant du plus criard pour amadouer le jeune underground, le groupe arrive au final à faire avaler la quasi-pop « Road Dog ». Heureusement, le groupe met fin à tout débat avec l'incroyable et violent « Leather Head ».

Même pour notre géant du noise-math-rock national PNEU, il n'est pas facile de prendre la suite d'une telle déflagration « à l'américaine », cheveux soyeux et têtes d'anges. Le début de leur concert est brutal, et peut-être la fatigue ou la chute d'adrénaline rendent ces 20 premières minutes juste « bonnes ». J'ai trouvé : j'étais derrière les enceintes, il fallait que j'aille emmerder les gens de l'autre côté pour avoir une meilleur perspective. Me voilà revenu dans le PNEU, celui du cercle qui saute à chaque coup de caisse claire de JB, ou crie quand Jay lâche sa guitare une demie-seconde pour monter la tension. Les titres du dernier album au doux nom de « Destination Qualité » sont mêlés à ceux d'Highway to death, même si je vous l'avouerai de suite : rien ne ressemble plus à du PNEU que du PNEU (et les noms des titres sont in-retenables).

La deuxième partie du concert, celle loupée par les gens qui rentrent en transport en commun, est hélas pour eux bien au dessus. Le public a retrouvé ses esprits, sa bière, mais le groupe a aussi retrouvé un peu de relief avec des titres moins « insaisissables ». Le groupe est à son meilleur quand il trouve la balance entre efficacité et provocation, et ce « sweet spot » est atteint pendant une petite demie-heure, rappel et douche comprise. Un demi-orgasme, c'est mieux que rien.

Livré avec brouillard anti-directionnel

On ne sait plus vraiment que penser de l'avenir des Strokes depuis 2011 et la sortie d'Angles, quatrième disque des New-Yorkais après un hiatus de 5 ans. Julian Casablancas (chant) délaissait la place du songwriter principal à ses anciens camarades, trop occupé qu'il était à tourner pour son album solo et expliquer en interview que l'ambiance chez les Strokes était très tendue. De cette période étrange de reformation est né un assemblage sonore incohérent, tiraillé entre la nécessité de satisfaire le vieux fan ("Undercover of darkness") et l'appétit pour des sonorités nouvelles (les horribles synthés cheap sur "Games", le vocoder sur "You're so right").

Comedown Machine possède aussi cette envie d'expérimenter, de s'écarter du trésor de guerre que représentent Is This It et Room On Fire. Ils gardent ici l'obsession des gimmicks kitsh façon années 80, on signale le clavier "Take On Me" de "One Way Trigger", la basse slappée de "Tap Out" et le falsetto et le synthé tremolo de "Chances". Pour les pauvres espérant un retour aux sources, la seule nourriture rétro-rock, "All The Time", sera bien peu suffisante.

Mais Comedown Machine surprend en bien lorsqu'il montre une espièglerie maîtrisée, comme la tentative funky "Welcome To Japan", la pop délicate et sucrée de "Slow Animals", ou le punk-rock crooné de "50/50" qui rappellera aux plus hardcore-fans leur reprise du "Clampdown" des Clash. Là où le bas blesse, c'est que si le groupe a regagné ses capacités (les guitares acérées qui s'imbriquent, le duo basse-batterie tantôt nerveux ou groovy), son chanteur ne sait pas souvent quoi faire. La nouvelle passion de Casablancas est la voix de tête, et, sans doute du fait qu'il n'a pas les capacités de Jonsi de Sigur Ros (jolie imitation sur "Chances" d'ailleurs), les effets (reverb, overdub) sont indispensables, et le sous-mixage assez évident. On passe donc la moitié du disque à tendre l'oreille pour comprendre et "apprécier" les grands écarts vocaux . Dommage pour une des voix les plus charismatiques du circuit rock.

Il faudra encore du temps pour savoir si Comedown Machine signe la mort ou le premier pas de la renaissance des Strokes, il y a tous les arguments ici pour les deux hypothèses, il est l'heure de choisir un camp.

6/10

Label: RCA

Sortie: 25 Mars 2013

Sirop d'érable français

Une fois n'est pas coutume, on va parler single, séveune incheuh vu que c'est un vinyle et que 45 tours ça pète moins la classe. Without My Hat Records, un micro-label lyonnais tout juste démarré, semble avoir flairé un très bon coup avec les français baroque-folkeux de Minors, déjà responsables d'un premier album avouons-le totalement passé hors de notre radar en 2011, Ways/Times.

Sur "Night Birds Lurking", Minors continuent à ponctionner le Canada, de Arcade Fire à Most Serene Republic, mais ils le font divinement bien, avec la puissance mélodique et un son "live" aux imperfections humaines et d'autant plus touchantes. Le titre serpente, laisse les cuivres jouer à cache-cache, fait éclater les violons en sanglots lyriques, puis une clarinette jazzy vient s'éteindre, un orgue prend le dessus et les voix chuchotant des prières redémarrent une batterie en ascension jusqu'à un envol beau et triste qu'il sera difficile de ne pas rattacher au "No Cars Go" de Butler et Lachassagne.

Pour retomber, "In Daylight" penche plus vers la joyeuse fratrie en freestyle bohémien, Sufjan Stevens qui jouerait avec Port-O'Brien en somme, la dimension parallèle où les hippies ont trouvé la grace mélodique et oublié la drogue. Les arpèges de guitare tourbillonnent, la caisse claire joue avec nos nerfs, militaire ou tribale ? solennelle ou sauvage ? et les choeurs viennent, l'ascenseur émotionnel obligatoire, toujours coupé dans sa chute chez MiNors, cela semble une règle. Tout ça pour faire durer le plaisir, comme cette fin où le titre se déshabille et part raconter son histoire vers l'horizon, dans un dernier écho.

9/10

Label: Without My Hat Records

Sortie: 18 Février 2013

En écoute sur Bandcamp

Vinyle dispo pour 5,50e sur Without My Hat Records

Strike once again

Il est toujours sidérant qu'à chaque album de Sexsmith, on se sente obligé de crier au scandale de son relatif anonymat. Le canadien a écrit parmi les plus belles pages de la pop des dix dernières années, que cela soit dans un registre acoustique sur Retriever et Time Being ou crooner jazzy et soul avec Exit Strategy For A Soul, entre autres disques tous conseillés à quiconque veut comprendre le mot "mélodiste".

Son secret et peut-être sa faiblesse, c'est que Ron a toujours eu une sagesse de vieux singe mêlée à une voix d'ange (un Paul McCartney pour cabaret, un Bob Dylan fleur bleue). Après Long Player, Late Bloomer, dernier disque qui basculait vers le soft-rock avec une production musclée et un brin datée, Forever Endeavour est un joli retour à l'essentiel. Squelette folk, filet de voix discret mais distinct, tout cela réchauffé au choix par un piano bossa, des cuivres hollywoodiens ou mexicains, une guitare slide sudiste, des violons soul façon Motown ... Une panoplie que le cinquantenaire maîtrise à la perfection, et qui lui permet de délivrer des balades d'une évidence qui frôle le surnaturel: "If Only Avenue", "Lost In Thought", "Back Of My Hand" sonnent comme des classiques de votre enfance que vous auriez à peine oublié. Mention spéciale au morceau d'intro "Nowhere to go", qui s'inscrit déjà dans les plus beaux moments de la carrière du songwriter.

Comme protégé à jamais des temps modernes sous une cloche où il fabrique inlassablement les chansons que plus personne n'ose écrire (classiques, simples, drôles, sans fioriture), Ron Sexsmith a encore frappé juste et nous a vendu sa confiture avec la même facilité qu'à ses débuts. L'artisanat, un métier d'avenir ?

8/10

Label: Cooking Vynil

Sortie: 4 Février 2013

Ascension

Gorilla Manor, premier album de Local Natives, on aurait pas parié grand chose sur le futur de cette formation folk-rock, sorte de mix scolaire des Fleet Foxes et Grizzly Bear. Aucune tension, peu d'énergie, aucun charisme. C'est peut-être d'avoir laissé tomber la gimmick afro-pop, ou décidé de construire les mélodies à la verticale plutôt que l'horizontale, mais Hummingbird est une impressionnante métamorphose du groupe dans le son et l'intention.

La recette possède pourtant les mêmes ingrédients: clavier pour structurer, guitares pour enrouler, batterie pour remuer le tout, la méthode a bien changé.  Ici le groupe se laisse le temps de maturer une mélodie et n'essaye jamais de s'éparpiller ou forcer le propos. "Heavy Feet" sait souffler le chaud et le froid et possède une magie aérienne, "Ceilings" fait couler les arpèges de six cordes dans un synthétiseur timide et termine sa floraison juste à temps, "Wooly Mammoth" brise les repères rythmiques dans un tourbillon de piano-alarme et guitares brisées qui sortent au refrain dans une grande course pour toucher le soleil.

Ces images de ciel bleu après l'orage parcourent Hummingbird, collection de fantasmes oniriques de poche, où la mélancolie se fait réflexive et contemplative. La fin du disque fonce droit vers cette perspective d'épuration musicale avec la perle rare "Colombia" où la répétition du motif et des quelques paroles pourrait exploser très facilement en vol. Sauf qu'ils désamorcent la bombe d'un coup, et cela rend le titre d'autant plus intriguant et séduisant. Rendons grâce à Aaron Dessner (The National), producteur prometteur, qui a surement participé à la transition de Local Natives, d'un trottoir sonore passe-partout, à une montagne de nuances dans l'émotion.

8/10

Label: Pias Recordings

Sortie: 28 Janvier 2013